In today’s world of YouTube, smartphones and virtual reality, at first sight it seems a tall order for both the listener and the performer to programme these two devilishly difficult, complex, and yet heart-wrenchingly moving works on the same CD. The similarities and differences between these two sonatas could be analysed for pages and pages, principles musicological and artistic can be cited for or against this coupling, but for me this compilation was completely instinctual. That certain inner voice, in spite of common sense and thousands of cautions (there are fantastic recordings of both works), gathered power as time went on, it became increasingly imperative, and soon I had no choice, making this recording became a must for me.
It was a taxing, marvellous challenge.
A milestone in my life as a pianist.

“Abandon hope all ye who enter here.” (Dante)

Every time I hear or play the beginning of Rachmaninoff’s second sonata, this quotation from Dante comes to mind. With an opening like the big bang, Rachmaninoff blasts us to the ditches of hell, we can’t even breathe and already, without any warning we find ourselves in the dramatic struggle of the B flat minor sonata.

He composed the first version of the work in 1913 (exactly 60 years after Liszt composed his B minor sonata), and revised it in 1931. Pianists will argue hammer and tongs about which is the ‘true’ B flat minor sonata. Matters are further complicated by the fact that Vladimir Horowitz made and performed his own version, with the composer’s consent.

What persuades me that the 1931 version is the definitive one is that Rachmaninoff considered it necessary to revise the piece, and felt it was important to remark at the beginning of the new edition ‘revised and modified by the composer’.

In spite of the meticulous composition, we constantly feel as though we are in a quiveringly nervous, troubled improvisation, truly in the ditches of hell, where light and calm are able only for a couple of measures to stave off the downpours of notes built on the dramatic chromatic theme. Although the piece can be divided into three movements on the basis of tempo indications, like the Liszt sonata this is actually a large-scale work conceived as a single trajectory. Like an exclamation mark, the chromatic theme of the first movement appears again and again during the work (as it does with Liszt), and the link is provided by a small introduction which functions as a kind of bridge before and after the central movement.

The shockingly simple melody of the Lento, and its meditative introspection, is for me one of the most beautiful moments in the musical repertoire, one almost ‘blushes’ at how the composer wears his heart on his sleeve... Rachmaninoff projects the emotions he feels outwards, and I think this is what captures us as listeners.

By the end of the work the glowering clouds slowly clear and in in the third movement the dramatic mood is replaced by a genuine Russian folk celebration.

The ‘Russian’ Chopin. That is how Rachmaninoff is often characterized, though in my view the comparison refers rather to personal and psychological similarities (vulnerability, sensitivity, a constant longing for home, a tendency to depression) rather than a purely musical or pianistic affinity. Rachmaninoff was, I believe, the standard-bearer for the ‘Great Lisztian Romantic Tradition’, not only spiritually but practically too: his cousin and at one time his teacher was the same Alexander Ziloti who was Liszt’s pupil in his last years in Weimar, and later an enthusiastic promoter of Liszt’s art.

“Art is the sensual conveying of the mysterious and divine in man and nature.” (Ferenc Liszt)

I grew up in the knowledge that the Liszt B minor sonata is part of national heritage for every Hungarian pianist. It is a kind of sacred peak, reached only by the initiates. A mountain to be scaled, from which a mere twenty-year-old will slide back down, but as time passes he will progress further and further up the slope, and perhaps after another twenty or twenty-five years, can knock at the holy door.

Liszt’s work is the universe itself which affects the performer in turn; it is a mirror into which the performer, when he looks, sees his own interior world – how the work shapes me and how I shape it. This twenty-five year unending process of learning-practising-performing-resting-learning I now stop for a moment. This recording is a kind of music-making and psychological thermometer: this is where we are at, the B minor sonata and I, on 18 August 2015.

Perhaps no single piece of music has been the subject of as many analyses, studies, essays, and theories, as the B minor sonata. Analyses of its form (a ‘sonata within a sonata’, ‘multi-movement form in a single movement’), of the way the five different recurrent motifs interact, and how the harmony of the piece sometimes seems to presage that of modern music. The grave dramatic situations in the piece, the theatrical characters, the indisputable presence of the ‘devilish and angelic’ naturally give fertile ground for the sprouting of all manner of theories, after all perhaps it is easier for the listeners and performer to think in terms of a programme, it is easier to resolve Liszt’s unanswerable questions with theories.

Perhaps it is the story of Faust, or Liszt narrating his own life story, or perhaps the fight between the divine and the diabolical is to be taken in the biblical sense. Not one of Liszt’s writings refers to any programme, and I believe that in choosing the sonata as a form his aim was rather to raise his musical message to philosophical heights. In the most colossal piano work of the nineteenth century, the deciphering of the world beyond the notes is the most difficult task of all.

Eternal respect to Liszt!

Liszt and Rachmaninoff are the two greatest giants of pianism ever to have lived. Two romantic artists, whose works deal with the mystic questions of existence, transience, happiness and suffering, and convey universal values that even in today’s smartphone world are indispensible, in a word: it is worth living for them.

Adrienne Krausz
Translated by Richard Robinson

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Born in Hungary, Adrienne Krausz graduated from the Ferenc Liszt Academy of Music in Budapest, where her teachers were György Nádor, György Kurtág and Ferenc Rados. She has also studied with Yvonne Lefébure and Lívia Rév.

A finalist at the Piano Masters of Monte Carlo in both 1992 and 1993, she has won numerous first prizes in international competitions such as in Senigallia (Italy), in Tarhos (Hungary), in 1989 the “World Competition” in Cincinnati (USA), with her Alice Tully Hall debut at the Lincoln Center (New York), and further prizes in Frankfurt and Sydney. Following an audition, Sir George Solti immediately engaged Mrs. Krausz for a European tour with the Tonhalle Orchestra of Zürich.

She has performed throughout Europe, China, Japan and the United States, Mrs. Krausz has been an invited guest at major music festivals and orchestras (the Budapest Festival Orchestra, the London Philharmonic Orchestra, the Philharmonia Orchestra, the Tokyo Philharmonic Orchestra and the Berliner Symphoniker.)

Some of her prestigious partners were Iván Fischer, Péter Eötvös, Michael Gielen, Youri Bashmet, Miklós Perényi, Shlomo Mintz, Boris Pergamenshikov, Sergej Krylov, the Keller and the Bartók Quartet.

Her Shostakovich recording was chosen as “Indispensable” in the French music-guide at Fayard edition.

adriennekrausz.com

 

 

Au premier coup d’œil, dans notre monde d’aujourd’hui  de « YouTube », de smartphones et du virtuel, le choix de ces œuvres diaboliquement  difficiles, compliquées, en même temps bouleversantes  jusque dans la moelle des os pour l’interprète et pour l’auditeur, semble être un engagement audacieux pour ce disque.

 

Les similitudes et les différences de ces deux sonates pourraient être analysées sur de longes pages, des arguments musicologiques  et artistiques pourraient se mettre en bataille « pro et contra » ce choix ;  pour ma part cependant cette compilation était complètement  instinctive. Malgré l’appel au bon sens et mille incitations à la prudence (des enregistrements  fantastiques existent de ces deux œuvres), avec le temps passé cette certaine Voix Intérieure  est devenue de plus en plus forte, prétentieuse, en ne me laissant plus le choix : cet enregistrement,  il fallait que je le fasse.

 

Une épreuve de force, un défi magnifique. Une borne milliaire dans ma vie de pianiste.

 

« Toi qui entre ici abandonne toute espérance. » (Dante)

 

A chaque fois que je joue le début de la deuxième sonate de Rachmaninov,  cette citation de Dante me vient à l’esprit. Avec un commencement  semblable à une explosion gigantesque (The Big Bang) Rachmaninov  nous pousse dans les cercles de l’enfer, on ne peut même pas respirer et soudain, sans aucune préparation on se trouve dans le combat dramatique de la sonate en si bémol.  Rachmaninov  a composé la première version en 1913 (exactement 60 ans plus tard que Liszt sa Sonate en si bémol), qu’il a réarrangée en 1931. Les pianistes du monde entier se disputent jusqu’au sang pour décider quelle est la « Vraie » deuxième sonate… Les choses se compliquent aussi avec le fait que Vladimir Horowitz a arrangé et joué sa propre version, avec l’entente du compositeur.

 

Pour moi, l’argument déterminant de rester avec la deuxième version est que c’est Rachmaninov  lui-même qui a jugé les modifications nécessaires, il a également tenu à noter avant la nouvelle édition : « revised and modified by the composer ».

 

Malgré la composition méticuleuse, on a constamment  le sentiment d’être dans une improvisation nerveusement vibrée, tracassante, vraiment dans les plus bas cercles de l’enfer, où la lumière et le calme peuvent résister unique- ment pendant quelques mesures à ces cascades de notes, construits des thèmes chromatiques  très dramatiques. Bien que selon les indications des tempos le morceau peut se diviser en trois mouvements,  il s’agit d’une œuvre d’une grande envergure, une seule grande respiration, tout comme la sonate de Liszt. Comme un point d’exclamation apparaît le thème chromatique du premier mouvement de nouveau à nouveau tout au long de la pièce (comme chez Liszt), la liaison est aussi assurée -comme un pont- par la courte introduction avant et après le deuxième mouve- ment. La bouleversante  simplicité de la mélodie du Lento, son enfermement  sur soi-même méditatif est pour moi un des plus beaux moments de toute la littérature musicale, ce moment, où le compositeur fait voir son cœur à nu, il nous fait presque rougir…

 

Rachmaninov  projette ses propres émotions vers l’extérieur, je pense que c’est ce qui saisit tellement l’auditeur. Vers la fin de la sonate les nuages noirs s’éclaircissent  et la situation dramatique laissera la place à une véritable fête populaire russe.

 

Le Chopin « russe ». Nombreux sont ceux qui utilisent cet indicatif  concernant Rachmaninov  ; quoique, je pense que cette comparaison allègue plutôt à une affinité de l’âme et de personnalité (vulnérabilité,  sensibilité, mal de pays constant, tendance à dépression) qu’à un langage musical-pianistique commun.

 

Je pense que Rachmaninov  est la continuation directe de la « Grande Tradition Romantique de Liszt », pas seule- ment en esprit mais en pratique aussi : son cousin et un moment donné son professeur était  Alexander Ziloti, élève de Liszt dans ses dernières années à Weimar puis plus tard grand et enthousiaste propagateur de l’art de Liszt.

 

« L’art est la restitution sensuelle du mystérieux, du divin se trouvant dans l’homme et dans la nature. » (Franz Liszt)

 

J’ai grandi dans la conscience que la Sonate de Liszt est l’héritage national de tous les pianistes hongrois. Une sorte de hauteur sacrée où seulement les véritables initiés peuvent entrer. Une côte de montagne à grimper, d’où avec sa vingtaine d’années on  glisse encore en arrière mais avec le temps on monte de plus en plus haut  sur la rampe et peut-être dans une autre vingtaine d’années on peut enfin frapper sur la porte sacrée.

 

Cette création de Liszt est l’univers elle seule qui agit sur son interprète, un miroir dans lequel le pianiste trouve son propre monde intérieur, une action réciproque : comment je forme l’œuvre et comment l’œuvre me transforme. Après vingt-cinq ans sans fin d’apprendre- réviser- performer- laisser reposer- travailler-réviser, j’arrête le processus pour un moment. Cet enregistrement  est une sorte de thermomètre musical et émotionnel : c’est ce que nous sommes, la sonate en si mineur et moi, le 18 aout 2015.

 

Il est bien possible que sur aucune autre œuvre musicale n’apparaisse autant d’analyses, essais, études, théories, que sur la sonate en si bémol. Analyses sur la forme (« sonate dans la sonate », « plusieurs mouvements dans un seul mouvement »), sur les harmonies nouvelles, visionnant presque la musique moderne, sur comment s’influencent les cinq thèmes différents qui réapparaissent  sans cesse. Les situations dramatiques de l’œuvre, les caractères théâtraux, la présence incontestable  « du divin et du diabolique » laissent naturellement  le terrain libre pour la naissance de toute sorte de théories, puisque il est plus facile pour l’interprète, pour l’auditeur d’imaginer un programme, que trouver des solutions à des questions sans réponses posées par Liszt. Est-ce que c’est l’histoire de Faust qui s’anime ou bien Liszt raconte-t-il sa propre vie, éventuellement  s’agit-il de la lutte entre Dieu et le Diable en un sens biblique ? Dans aucuns de ces écrits Liszt ne mentionne un quelconque programme et je pense aussi que le fait d’avoir choisi la sonate comme forme soutient l’idée, que l’objectif de Liszt était plutôt d’élever le message musical dans les hauteurs philosophiques.

 

Dans la plus grand œuvre du 19ème siècle pour piano, le plus difficile est de révéler le monde caché derrière les notes.

 

Hommage éternel à Liszt!

 

Liszt et Rachmaninov.  Les deux plus grands géants jamais vécus de l’histoire du jeu du piano. Deux créateurs romantiques,  qui avec leurs œuvres parlent des questions mystérieuses de la vie, la disparition, le bonheur, la souffrance, nous transmettent des valeurs universelles qui sont tout aussi indispensables  dans le monde des smartphones d’aujourd’hui  et pour lesquels il vaut la peine de vivre !

 

 

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Diplômée de l’Académie Franz Liszt de Budapest dans les classes de György Nádor, György Kurtág et Ferenc Rados, Adrienne Krausz est née en Hongrie. Elle a participé aux Master Classes d’Yvonne Lefébure, et suit toujours les conseils de Lívia Rév.

 

Finaliste au Masters de Monte-Carlo,  elle a remporté les Premiers Prix des concours de Tarhos (Hongrie), de Senigallia (Italie). En 1989, après sa victoire au Concours International  de piano de Cincinnati (USA) elle obtient son premier récital à Alice Tully Hall à New York Lincoln Center.

 

Sir Georg Solti, après l’avoir entendue en audition, l’engage immédiatement  pour une tournée européenne avec l’Orchestre de la Tonhalle de Zürich.

 

Elle a donné de nombreux concerts en Europe, en Chine, au Japon et aux USA aussi bien en récital, qu’avec orchestre (L’Orchestre de Festival de Budapest, London Philharmonic  Orchestra, Philharmonia  Orchestra, l’Orchestre Symphonique  de Berlin, L’Orchestre Philharmonique  de Tokyo).

Parmi ses prestigieux partenaires, citons Iván Fischer, Péter Eötvös, Miklós Perényi, Youri Bashmet, Michael Gielen, Sergej Krylov, Shlomo Mintz, Boris Pergamenshikov.

 

Son CD Chopin - Chostakovitch  est élu comme «Indispensable» par le guide de musique chez l’édition Fayard.